其实是一出颇为伟大的悲剧，无人问津却使命使然的孤独承受，如同整部电影的叙事轨迹和速度，那样不合时宜——平庸中的痛苦修行。影像里感知到作为“人”而真正存在的“你一生的故事”，却无法获得温存，甚至找不到出路，却仍然那样隐忍克制。在这个国家里“拉格”的命运，折射出对某种或许绝望却要向前的无关恐惧只在信念的悲感精神的需要，对印度的音乐如此，对世界的电影同样如此。

刚才还在《庞贝》考古的《学徒》又骑着「摩托车」来到了印度。见到这巧合而有趣的一幕，不免令观者会心一笑。除此之外，这部以独特的「格拉」韵律为观测点，聚焦印度传统民族文化现状、讲述新一辈人如何在「灵肉分离」这种二元对立语境下，依凭「不易流行」的信仰和可持续发展的行动力继承这笔精神遗产的作品最令人感到欣慰的是，钻进年轻人大脑皮层里的「欲望之蛇」最终演变成了由他们嗓子眼生发出来的古典音乐。显然，这种靡靡之音不仅遵循物竞天择的传授法则，它还在强调慧根和机缘的重要性。从《百鸟朝凤》的角度来看，吴天明在《老井》里对着百姓提倡的「愚公移山」精神，到了印度就成了苦行僧之间口耳相传的古训。你听，那虔诚而质朴的文明如此婉转神秘又是如此悠扬飘逸，令高铁上的现代人情不自禁地想要追随它的节拍——即兴而又尽兴地挥舞身体。

未出现的女人才是主角吧，男主角还是比较认同和尊重她所留下的音乐遗产。可在影片结尾处，那个大腹便便的老男人抖落出自己的八卦，一边说自己曾经在她家听过她的演出， 一边又说她并没有留下什么音频、视频资料，不好判断她的水平，另外她好像是妓女啊，后被一个男人收为情妇，被资助去读音乐等等，看惯了男权社会抹杀女性才华的路数，还好年轻男子当即破了一杯水到他脸上。为什么多处出现男主看黄片打飞机段落？有必要吗？

看到最后，你就能体会到那种故事由量变到质变的能力，这样的故事不仅是印度吧，每个民族都在面对同样的问题。同样的题材，这么一对比，你就会发现这位印度导演的厉害之处。

重复的单调段落制造延沓感，一定程度上在寻找远离开口阐释现实主义的表达方式，但冗余无可避免。

天啦撸 竟然在纽约电影节看到了这么完美的作品。厚重深沉，又暗潮汹涌。非常纯粹

【印度】西塔琴的深重，北印度古典音乐的悠扬婉转，还有一个不愿意忘却的人始终在和社会、和世界、和周遭、和信念进行着孤苦漫长的守护与斗争。主人公矛盾却又坚持的旅程和这种古韵互相交织，很好地打开了一扇不曾为人了解的窗，不过在某些时候，电影更像是专门服务于艺术音乐频道的人物纪录片，余音绕梁绕啊绕….另一种形式的《百鸟朝凤》。

对音乐的追求/古鲁的信仰并在坚定践行自我信念，人世一生苦短而不能尽力达到的境界，必须要屈服和牺牲换取，用本世的宿命换取下一世的继业，唱曲之间仍然是关于对“梵”的认知，“歌曲展示了通向神的道路，因此印度古典音乐变成了永恒的追求”

电脑型号虽然变了，但都既能放porn又能放raag. 结尾字幕滚动，我误触了另一部日剧的播放键，心想这个导演居然还这么拼贴。

年末最后一部，昨天已经看的差不多了，但是这个“啊啊啊”的歌确实有点听不来。

TIFF2020 day1: 漫长的时间线里交织了童年，青年和中年的男主角，利用音乐的传承，讲述了从父子到师徒的关系，贯穿了男主角的一生。从未问世的大师录音，是漫长夜路和孤独人生道路上的精神导师，最终他也走向了传道授业的转身，但是依然注定在音乐的道路上孤独前行。

3.5，导演完全可控的方面已经很优秀了，观看中最大的障碍在于：一些叙事情境中，演员们完全不清楚自己在做什么，以至于出现了若干个“王小帅情境”。

四星半。拉格，作为印度古典音乐旋律所用的调式，承袭者需如苦行僧般忍受生理、心理、精神全方位的孤寂，以求升级为大成者。这样的严苛放在现代社会中更是逼走了无数慕名者。影片用纪录式的镜头存档Sharad所经历的一切，当笃定的信念顷刻崩塌，Sharad却从音乐的学徒遁化为人生的信徒。导演柴塔尼亚·塔姆哈尼手中的时间线交替得不露声色，银幕内外经历这疲乏的一遭，通体竟有一番豁然的爽意，扑面而来的杰出掌控力。

比前作也好太多了，统一均衡后，脱胎换骨了一样。私人之旅，介质变化，将日常感受到的声音（录音）与影像（内嵌的/观看的采访、演出、节目）作用到即兴的演出现场。

呕哑忐忑难为听，似诉平生不得志，大地之歌大树之歌大河之歌，一一都是人生悲歌

A history of music. 如此纯净而复杂。

#77venise主竞赛第二场#观影过程中数次想离席，又觉得第二场就这样做会不太好，想体验备受刺耳神曲折磨的感觉吗，请看这部印度版龚琳娜《忐忑》

你为什么如此烦躁你要急着到达哪里

不太了解这种音乐类型但能够跟随影片去感受主角的心境反而更有启发的感觉，在这种坚持传承的探寻过程中没有忽视社会变化带来的矛盾，也没有一味将古典与大师抬高和神化，这些思考都可以带到很多类似的内容中。

爱印度古典乐的人看到这个题材觉得很亲切，哎，想学塔布拉鼓西塔琴也不是一天两天了。。

全片穿插着各种心灵鸡汤，对真实和虚假、艺术本质的探讨也较为浅薄，难以共鸣。结束得也有些仓促。另外，印度的传统歌曲一直“啊啊啊”真的难听。

又是艺术圈的究极问题，艺术是否该被圣化，圣化到不允许商业考量的半点侵犯，艺术家是否该被圣化，圣化到只可以在艺术世界里如苦行僧般安贫乐道仙风道骨，艺术创作是否该被圣化，圣化到疯魔的追求肉与灵的绝对契合，艺术发展是否该被圣化，圣化到只可以像腐朽的儒生一样谨遵先贤的金科玉律龟速变通，艺术价值是否该被圣化，圣化到鄙夷一切喜爱轻松新潮文艺形式的受众。主语换成传统文化或民族主义同样成立，历史是向前的可以解答一部分问题，又不能解答一部分问题，毕竟保守顽固的人才是基本盘，但什么东西是真正亘古不变的呢，网上流行一句话“做出一个违背祖宗的决定”，与其痛苦的被迫接受，不如温和的拥抱变化。新，不是旧的对立面，新芽嫁接，老树开花

少有的拍得非常安静的印度影片，故事并未有紧张冲突，只是关于印度古代音乐传承之事，时间跨度达二十年，且讲述得不徐不疾。不过影片宁静之中却有张力，从作为音乐学徒的男主角身上，我们能感受到他内心的焦躁，他的愤懑与不甘，他在欲望与追求内心平静音乐之间的挣扎。真正让其平静下来的，也许并非音乐，也非历练颇多却仍有不平的师傅，或许是其最终的结婚，拥有正常的家庭生活。

tanpura的音色过电一样 太飞了 不动声色不做判断的片段捕捉竟然有点小津的味道 想重看ray的音乐室了

像一把射出的箭，保持着均匀的速度与力度，但缺少正中靶心的时刻，箭手（摄影机）的心如止水也弱化了起伏。关于艺术的不合时宜，单个段落能听到信仰碎裂的声响，段落间则更偏向于不断施重的意志瓦解，靠突现的幽默和介质的变化消解愁苦，但显然不够顺滑。

哦，大型沉默。但有一种事先张扬的好，可能是叫做质感吧。

7分。少见的不唱歌跳舞不搞笑也不悬疑的印度文艺片。男主是一个热爱印度古典音乐的人，也是这个派系某大师的学徒。本来在这个时代甘于清贫枯燥，还要看别人的白眼就已经够残酷了，更残酷的是他坚信的信仰、钦佩的大师在几十年后被别人挤兑得一无是处。继续坚持，还是否定过往？否定过往就是否定自己的人生啊。这片看起来寡淡，印度古典音乐在我听来也单调无趣，但对人生哲学的探讨却有一定深度，也让我刷新了对印度电影的认知。

这个harmonium简直穿耳魔音，坚持看完耳朵都快裂了，是在下欣赏不了北印度经典乐，印度醉乡民谣

塔姆哈尼在前作《法庭》中就用细腻、冷峻的寓言手法描绘了孟买的割裂与奇幻，《学徒》走得更远，在对学徒的少年、青年、中年的记叙故事中，古典音乐本身逐渐变得越来越虚无起来，在经历了偶像的坍塌和信仰的压抑之后，学徒必须学会的不是追求艺术的至臻，而是如何与世俗的不完美和解，他在无数的窗与门的构图中成为了一个可怜又可悲的灵魂，舞台似乎如这个世界般残酷，他只能在边角的阴影中望向老师，在印度的文化中追求苦行是达到圣贤境界的唯一途径，但事实是精神的剥削无处不在，学徒嫉妒通过电视选秀一夜成名的庸俗者，但老师睡去时他是否在内心涌起了他已经死去的窃喜呢？在被传统与信仰绑架的追寻者最终找到了自由了吗？塔姆哈尼的悲观在于你无法逃离这些禁锢，定义自我的意义永远都是伪命题，放弃与失去早已注定，因为你也是这个牢笼的一部分

从学习传统音乐的学徒化成传承其发展不忘初心的人生的信徒 #77威尼斯最佳剧本+费比西奖#

C-,确实是比较无聊了一点，感觉啥也没讲明白。所有学徒都应知道，一门手艺或是一个人永远有他的局限之处，神话也许从来就不存在，也不需要让各种禁锢了自己的一生。任何学习从来都是量变积累等待运气完成质变的过程，功利之心在所难免，绝对的心灵纯净从来都是不容于这个社会的，你得学会曲线救国。生活总在与时俱进，人也应该如此。

印度传统音乐最让人有印象的影片肯定是雷伊的大河之歌，看这部电影也很容易让人联想到它，这样的平实化现实叙事的作品对印度电影发展来说是个好现象

这是属于一个人的史诗，也是一段隐去话语权的历史回溯，每当它隐隐抛出主观的论断，又会自觉地将其回收重释，以至于到了尾声之中的几场戏都是多义的，但它绝不同万玛才旦近年来一味执着于符号的展示和玩弄而避开一个确切的意识输出，而真正意义上用戏法裹挟住观众一道来进行一场苦修，肉身与精神的刺痛来回穿刺出共情力的存在。古乐画里画外神灵般游离飘荡，颠鸾倒凤的靡靡之音奏响另一乐章，魔音灌入大脑试图签署出卖魂灵和信仰的协约，再让官能完全打开接受一切现实的讨伐和污染。它无关任何虔诚的、原教旨主义的情绪泛滥，而仅仅是在挣扎中选择，在历史的车轮下，粉身碎骨或委曲求全同时存在并指引着个体在绝对唯物的世界里在自相矛盾的盘根错节的宿命面前苟延残喘，学徒本身便是辩证着的、自我凝视着的、左右互搏着的时代灰烬，涅槃后转瞬即逝。

80/100。#NYFF线上第四场#尽管被“印度忐忑”整得魔音灌耳，但你不得不承认导演站在了一个非常值得需要被关注的角度。整部电影并没有什么十分尖锐的精彩瞬间或者矛盾冲突，而是一种近乎水平安静般的方式沿着时间的轨道叙述了一个印度传统古典乐者如何对抗发展社会的故事。没有狰狞的高声怒吼，没有犀利的抨击台词更没有过多的情感宣泄，却在无形中将一种失落感狠狠地表达了出来。时间长河从未停止流动，手机从诺基亚变成了苹果，城市一步步地发展成高楼林立之地，那些曾经只能自己唱歌的人也通过选秀节目站在了聚光灯前。只有男主人公，他还在看黄片，他还在低声唱着无法被理解的歌谣，他还在固守着那个“神化”的老师留下的一切。他走过漫漫长路，到头来发现哼着那音乐的只剩他一人，伴他孤寂地走下去的，也只有地铁里那萧索的歌声而已。

传统文化的传承有如漫长的苦行，需要无数的人穷其一生。在现代文明的冲击下，传统文化艺人的生存空间进一步缩小；现代人有无数其他更轻松的道路可选，谁会去选一条付出和回报不成正比的路呢？“拉格”如此，电影艺术又何尝不是。

没有什么太有冲突的故事。镜头语言非常流畅，规整。导演的掌控力很好，是个有想法的人。

导演一贯的宽画幅和长镜头将电影的议题呈放射状展开，形式上是反印度电影传统的，和日渐没落的Raag一样曲高和寡，而其叙事结构又与Raag本身的形式达成了一致，这是多少拍文化传承题材的导演做梦都达不到的境界。

放在印度电影里倒也算得上是沉稳认真了。一个民俗艺人学习一项濒临灭绝的技术，他能做的就是拼尽全力把这项艺术学成贯通，而到最后他也没能完成这个目标，以此寄托了这些技艺面临消亡的感伤。几个练声房内一群人打坐似的练声片段，是一种很神圣的场面，但除此之外电影大多缺乏张力，反反复复出现的啊来啊去练声都是些多余无意义的堆砌，讲课式的大道理旁白也是一种生硬的直给。剧本上，没能讲明白这些传统技艺无人继承的根本原因，若能在片中点明白现代技术的冲击自然会更明确。男主对于这项传统技艺本质上是个迷茫的态度，他也拿不准到底要不要继承，这个心理状态被描绘得太僵硬。到最后似乎要把男主的形象扩大到整个人民之上，但对他行为的苍白刻画也令人对此捉摸不透 ★★☆

没想到这最近看过最好两部电影都是印度，白老虎和学徒。 学徒在对师父“偶像破灭”之后对暴躁，自我抽离， 和解 到 平静。不管任何道，法都不倚仗世间的偶像，行的是自己的信念。 echo 佛陀最后的教诲：gain your own salvation

3星半。沉郁的，极力稳住的，编导呼唤来了大量的阴云，这本身就是成就吧。也成为了我们认知里的印度电影的反面。其实这个主角的父亲母亲，还有那个师傅的师傅，印度古歌手的女宗师，都被排到了背景，是他身后不散的阴魂，这也是意味深长的。但对我而言，主体的戏剧却单薄、简陋了些，根本上就是这个学徒服侍师傅，参加比赛，一再的失败，旁观他人的成功，但只能心生嫉妒，独自手淫。他的学艺的遭遇和师徒的关系，是这部电影的主干，却过于流水账了。我觉得还是要有他人的加入，构成冲突。并不是一定要狗血、不要日常，也不是展开戏剧的时候，就一定会失却了静默时分，比如片子里那些歌诵之后，门外闪烁的日光，也是可以留存下来的啊。片尾的那首歌太好听，也属于民歌吧，唱的是井边的一棵石榴树。

蛮喜欢男主骑摩托车的慢镜，颇有种独自修行的感觉。影片展现的现代化浪潮下传统文化的传承及个人修行主题蛮值得深思。只是实在不懂拉格如何欣赏，影响了影片的观看。

D / 想法是好的，表达暂不认同，难以找到进入空间，感受到的更多是一种近乎执拗的保守。

+，想看中国昆曲版。刨除在影视作品中少见的音乐类型，剧作结构其实很常规。最后他并未从disciple变成master，而是选择保护起传统音乐，其实也是对自身能力的认清。但一路上的心酸，是无法忘怀的。

时代会吞噬万事万物，连神明都会随之消亡，但惟有永恒的信念与坚持无法被征服。这个关于印度民族文化的故事，到最后会发现它不仅仅是印度的民族之歌，而是属于全世界民族的一首歌，《学徒》以一种安抚的口吻将这个故事拓展到了人类经历的广度和深度。

很棒。以前看编舟记那样的感觉有回来。

6.0 极其劝退的音乐形式，但是影片多次重复出现的音乐桥段如同蔡明亮说的滴水一样，是很有必要的，没有歌词的音乐，人声只是一个乐器，当乐器（纯粹）和演奏者（情感）存在一个有机体中，必然会冲突，对抗。这一点不仅仅是画面呈现，影片还用一个声音蒙太奇来表达这种矛盾——AV中的呻吟和“啊啊啊”剪接在一起，主角的纯洁性在一步步被侵蚀。

Marathi 版本 சர்வம் தாளமயம் 故事更沉静 可能也是raag和mridangam音乐风格上的差别lol 前半段男主回忆的镜头 剧组可能要每天凌晨去拍才能拍出这么空旷的街景 欣赏影片对稀稀落落观众席的处理 还有捐赠录音带时候接待员的表现 北印度古典音乐的式微 不需要委屈地正面表达 这样更显出传承者的无奈/坚持

长着一副二级单元的样子，偏偏选到了主竞赛。